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怎樣讓貝司演奏與創作富有新意

摘自:網絡轉摘|2015-1-12 22:22:15|作者:網絡 瀏覽次數:

作為一個職業樂手,我給很多音樂人彈過貝斯,參與過很多次錄音與編曲工作。隨著年紀的增長,我漸漸發現在編曲或者即興的過程中創造出富有新意的貝司演奏是多么重要。

過去的我是怎樣積累創作能力的:熟悉一些經典的金屬、合成器貝司、搖滾、流行、鄉村、R&B……各種風格的經典樂段能在你創作貝司線時提供至關重要的參考,無論是在錄音、寫歌或者是即興的時候。選擇參考,而不是憑空遐想,在模板的基礎上融入無窮的變化,這也是一種創作方法。

多年的職業樂手證明了這個方法十分有效。然而,這種傳統的創作方法并不是在任何情況下都管用。如果想要演奏出富有新意的貝司線,想要成為那個“經典riff”的創造者,我們就需要更深入地去開拓創作方法。下面是一些更“特別”的創作貼士:

在非常規的地方演奏

貝司手總有緊跟底鼓演奏的習慣。如果這種方式并不能制造出令你滿意的效果,那么就需要另辟蹊徑了。試試在反拍演奏,或是節拍位移(詳見文章《創作貼士:如何讓你的動機保持新意》)雖然這樣的方式有可能打亂歌曲的律動,但在某些情況下會成為一首歌最出彩的地方;

另一種方式是在一些通常不會出現貝司的段落演奏。例如一般貝司都與鼓在一起演奏。那么何不試試在歌曲的最開端,沒有任何樂器在演奏的地方就開始進貝司呢?或是在某一個地方僅有貝司在為人聲伴奏等等,所不定會有不錯的效果。

音域的探索

當我參與演奏標準的流行、鄉村或搖滾風格歌曲時,一般我遵循這樣的音域選擇規律:主歌選擇中部的音域,副歌選擇較低音域,旋律橋段選擇高音域。這種方式通常來說很有效,但是有時候情況會很糟糕。

所以不妨嘗試打破這種規律,比方說停留在中音區演奏一個棱角突出的riff,不停重復……但要注意與其他配器的配合,保證樂隊整體在均衡上的分配平衡。

“大提琴”式

當鍵盤手演奏舒緩的鋪底貫穿中首歌曲,而鼓手在演奏節奏復雜的solo式的樂段時,與其演奏一些有節奏感的貝司線,不妨試試給音樂加一層低沉的長長的延音。這種情況下,你可以用音量踏板來衰減音頭的音量,然后漸漸提升音量,制造出大提琴般的弦樂音色。

演奏和弦

說到擁有經典貝司線的歌曲,很多人都會想到Lou Reed的那首《Walk on the Wild Side》。這首歌曲里雖然電貝司并不是在演奏和弦,但是它與歌曲中另一把倍大提琴低八度的演奏構成和聲,聽上去非常有特色。所以在創作的時候,也可以試試彈奏這樣音程關系的和弦。當然你也可以試試不同的音程關系,例如Peter Gabriel的歌曲《Don’t Give Up》。

留白

Victor Wooten曾經在書中這樣說過“從休止符入手。學一學如何讓休止符比音符的聲音更響亮”。音樂是一門在時間上展開的藝術,休止并不代表沒有在創作,所以不要總把音樂填得滿滿當當,試試大片留白,或是前半小節演奏,后半小節演奏,后半小節讓吉他填上的方法吧。

互動

正如上面提到的與吉他手互動一樣,作為樂隊的一員,不要只顧埋頭演奏。盡可能地與其他配器保持“若即若離”的關系。比方說Sonic Youth的《100%》,這首歌曲里你不僅能聽到各個成員默契的互動,還能聽到我們上面提到的“休止”對于歌曲張力和律動的重要作用。

無論是貝司線的創作還是寫歌,都有各種各樣的方法,最重要的還要靠我們內在的靈魂與音樂的互動去創造讓人過耳不忘的樂句。對于規則,你所要做的就是去了解它,并打破它。